Efemérides (julio): Soffy Martínez, Raúl Santi…

Julio 31 de 1984: Muere Soffy Martínez

Murió en Barranquilla la pianista, compositora y cantante colombiana Soffy Martínez, la dama guajira que logró convertir su voz en románticos boleros. Mabel Ricciulli Escolar es su nombre verdadero, y había nacido en 1903.

Soffy lo ideó en honor a Sofía Loren, que le recordaba las raíces de su migrante padre y el Martín, por el brandi, que luego fue trastocado por el diseñador de la caratula de Discos Fuentes, que le dio sin pedirlo, el apellido Martínez.

Creció mientras su padre distribuía su tiempo en dos farmacias que tenía, su madre se entregaba a las tareas del hogar y su tía Carmen Clara de Moncada moldeaba su talento, lo que llevó a sus padres a comprarle un piano.

Una noche de 1954 su padre se reunió con sus ocho hijos para contarles su decisión de trasladarse a Barranquilla. Los invitaba a dejarlo todo en busca de un mejor porvenir. Después de un tortuoso viaje por el mar Caribe, en donde el primer pasajero fue su piano, llegaron.

Al terminar el bachillerato decidió ingresar a la Escuela de Bellas Artes, y cuatro años más tarde pasó a estudiar canto y piano en la Universidad del Atlántico. Con diecinueve años cumplidos, oyó por la emisora Atlántico la promoción que hacían sobre un concurso de canto. Los estudiantes de Bellas Artes tenían prohibido participar en eventos donde se tocara música popular. Ante esta realidad, decidió dar un seudónimo que la acompañaría siempre. Soffy. Al ser escuchado en el concurso, (donde ganó de lejos frente a sus demás rivales), por el locutor Marcos Pérez Caicedo, quien se sorprendió por su estilo de voz y por saber de dónde provenía, decidió recomendarla ante su amigo Antonio Fuentes Estrada, uno de los pioneros de la discografía nacional.

El mercado nacional en los años sesenta estaba invadido por el porro, los vallenatos, y otros ritmos que resistían la competencia propiciada por las mujeres y hombres boleristas de todo el continente. Contra ese panorama musical le tocó luchar. Su primer 78 RPM contenía el tema Semilla de Odios y el respaldo de Carta Fatal, con la fortuna que fue un gran éxito y llevó a la disquera a producirle el LP completo. Luego lo que sucedió, que ni ella imaginó nunca, fue un camino exitoso gracias a su voz seductora, unas manos llenas de música y un repertorio exquisito de boleros, con el que selló exitosamente su sueño, y se constituyó junto con Alci Acosta en la muralla que detuvo la arremetida extranjera en ese género musical. Sus obras les dijeron a los melómanos de ese ritmo que se tomó al mundo, que en La Guajira había nacido una mujer que desde niña sintió el llamado de la música, para que cada vez que se hable tengan que citarla, como aporte sinigual. De lo contrario, esa historia es incompleta y será mal contada, porque sin duda alguna, ella es un Bolero!

Julio 31 del 2002: Juan Diego es canonizado

En la basílica de Guadalupe, cerca de México D.F., el papa Juan Pablo II canonizó a Juan Diego, indio de la etnia de Los chichimecas que presenció la aparición de la Virgen de Guadalupe en 1531, convirtiéndolo en el primer santo indígena del continente americano: «Con gran gozo he peregrinado hasta esta Basílica de Guadalupe, corazón mariano de México y de América, para proclamar la santidad de Juan Diego Cuauhtlatoatzin, el indio sencillo y humilde que contempló el rostro dulce y sereno de la Virgen del Tepeyac, tan querido por los pueblos de México».

Un pedregal donde hasta la hierba lucha por crecer era el que estaba atravesando un indio de 57 años en el amanecer del 9 de diciembre de 1531. Desde que había sido bautizado un año atrás lo llamaban Juan Diego, pero su nombre original era Cuauahtlatoatzin, que en azteca significa Águila que habla, o El que habla con un águila. Estaba yendo desde su pueblo a Ciudad de México porque era sábado, día que los misioneros españoles dedicaban a la catequesis. Al llegar al pie del cerro Tepeyac se siente atraído por un canto que nunca había oído antes. Luego el silencio, y una dulce voz que lo llama: Juan Diegotzin. Sube a la cima de la colina y se encuentra de frente a una joven con un vestido que brilla como el sol. Se arrodilla estupefacto y la oye presentarse: Soy la Perfecta Siempre Virgen María, La Madre del verdadero y único Dios. La Señora le confía una tarea: Informar al obispo sobre lo sucedido para que se construya un templo mariano al pie de la colina. Contar lo increíble no es fácil y, de hecho, el obispo no creyó una palabra. La noticia del fracaso no hace desistir a la Señora, que lo invita a insistir. Esta vez el obispo hace algunas preguntas más sobre la aparición, pero sigue siendo escéptico. Le pide darle una señal real, o sigue siendo un cuento de hadas. El campesino informa de la petición a la Señora, que se compromete a dársela el día siguiente. Aquí es donde sucede lo inesperado. Se entera de que un tío suyo se está muriendo y sale a buscar un sacerdote. A la altura de Teyepac cambia de ruta para evitar un nuevo encuentro con la Señora. La estrategia es inútil. Ella está de nuevo delante de él, preguntándole por qué tanta prisa. Avergonzado, invocando el perdón, le explica. La Señora lo tranquiliza. Su tío ya está curado, le dice, y lo invita a subir al cerro a recoger flores para llevarlas al obispo. No obstante lo árido del lugar, Juan Diego encontró unas espléndidas rosas de Castilla. Recoge algunas, las envuelve en la tilma, la manta de tela que usa, y se va a Ciudad de México. Una vez ante el obispo, abrió su tilma y dejó caer las flores, mientras en el tejido apareció, inexplicablemente impresa, la imagen de la Virgen de Guadalupe. El camino se abrió a partir de ahí. El obispo se hace acompañar al lugar de las apariciones, y comienza la obra. A fines de diciembre la primera capilla estaba lista junto a la colina. Juan Diego, viudo desde hacía algunos años, pidió y consiguió habitar en una pequeña casa junto a ella. Su preocupación era la limpieza de la capilla y la acogida de los peregrinos que visitaban el pequeño oratorio, hoy transformado en ese grandioso templo, símbolo de la devoción mariana de los mexicanos a la Virgen de Guadalupe. Durante 17 años, hasta su muerte en 1548 fue el fiel guardián de la Señora, la Virgen morenita, y gozó de tan alta estima entre sus contemporáneos que ellos acostumbraban decir a sus hijos: Que Dios te haga como Juan Diego.

Julio 28 de 1819: Muere Antonia Santos

Murió en El Socorro la heroína colombiana que junto con Policarpa Salavarrieta fue una de las más destacadas protagonistas del período de la independencia.

Antonia Santos nació en Pinchote, Santander, en 1782 y su infancia la vivió en la provincia del Socorro, la misma en la que una acción de Manuela Beltrán había desencadenado en 1781 el movimiento insurreccional de los Comuneros.

Creció en el seno de una familia que estaba vinculada fervorosamente desde los primeros momentos a la lucha en favor de la emancipación del Nuevo Reino de Granada, en un ambiente de rebeldía, pues en la provincia del Socorro de la Nueva Granada (hoy departamento de Santander), se vivía desde años atrás el más grande descontento social y económico contra el gobierno colonial. Fue la quinta de 11 hijos de Pedro Santos Meneses, uno de los fundadores de la parroquia de Pinchote, y Petronila Plata Rodríguez, que murió en los primeros meses de la reconquista española.

Su niñez y juventud la pasó al lado de sus padres en la hacienda de El Hatillo, donde recibió la rudimentaria educación propia de las mujeres de su tiempo: labores propias del hogar y del campo, la religión católica y prácticas piadosas, y conocimientos de aritmética, escritura, gramática y lectura. Al morir su madre, Antonia, la mayor de las mujeres, asumió la representación moral de la familia.

En esa época se conformaron una serie de grupos para luchar contra los españoles realistas, grupos que apoyaron al ejército de Simón Bolívar en la Campaña Libertadora. Antonia Santos organizó y sostuvo el grupo de Coromoro, el primero que se formó en la provincia del Socorro, convirtiendo su hacienda El Hatillo en centro de operaciones. Liderados por su hermano Fernando, fue decisivo para las victorias del Pantano de Vargas y de Boyacá pues interceptaba las comunicaciones de las tropas realistas, y además aprovisionaban y mantenían informadas a las fuerzas rebeldes. El 12 de julio de 1816, por traición de alguno de sus integrantes, un destacamento militar español se presentó sorpresivamente en la hacienda. Las tropas españolas apresaron a Antonia, a su hermano Santiago y otros familiares y sirvientes, y los trasladaron hasta Socorro, donde fueron encarcelados. Luego de un juicio sumario, en Consejo de guerra, en el que trataron inútilmente de soliviantarla para que delatara a los integrantes de los grupos de Coromoro y Cincelada, fue sentenciada a muerte el 16 de julio, y ejecutada el 28 del mismo mes en la plaza pública junto a dos próceres más. Se les culpó como enemigos de la causa del rey y reos de lesa majestad. «A las diez y media de la mañana Antonia fue llevada al patíbulo; la acompañaba su hermano Santiago a quien entregó sus alhajas y su testamento. Imperturbable, desafiante, no se arredró ante sus verdugos. Alcanzó a gritarle a su hermano: «No llores, sigue luchando», y tuvo el coraje de decirle a ellos «No me venden, quiero ver a mi tierra por última vez y ver de frente a mis verdugos. No tengo miedo. Viva la patria!». Un sargento la ató al patíbulo, le vendó los ojos, se escuchó el redoblante, e instantes después los soldados dispararon apagándose así una vida que pasaría a la historia de Colombia y que con dignidad traía la llama de la libertad. En la flor de la vida, con sólo 37 años, su muerte detonó más luchas. La noticia exacerbó aún más los ánimos de los grupos revolucionarios, quienes juraron continuar la lucha en su nombre.

Sigue viva en Pinchote, en su residencia, gracias a la ingeniera de petróleos y actriz Martha Luz Cristancho. Ella es la propietaria de la casa donde nació María Antonia Santos Plata. La ha convertido en una Casa Hotel museo de memoria ancestral, y una casa teatro donde el monólogo sobre Antonia se recrea cada vez que los turistas lo piden. Después de una completa  investigación histórica sobre la vida de nuestra heroína, escribió una pieza teatral que ella misma representa. Una propuesta cultural artística que merece el apoyo de todos. Cuando vayan a Pinchote quédense en Antonia’s Casa Hotel para disfrutar de una puesta en escena, que los trasladará a la época de la revolución comunera.

En honor a sus acciones heroicas, el batallón nº7 de la séptima brigada de la cuarta división del Ejército Nacional de Colombia lleva el nombre de Antonia Santos. Y de sus descendientes colaterales tenemos a Eduardo Santos y a Juan Manuel Santos.

Julio 28 de 1957: Aniversario de Raúl Santi

Uno de los artistas más queridos de la música romántica, el responsable de muchos enamoramientos, de muchos matrimonios, de mucha felicidad para los colombianos y el pueblo latino, está de cumpleaños.

Si les digo su nombre, Guillen Raúl Sánchez, muchos se preguntarán quién es. Pero si decimos Raúl Santi, decenas de canciones aparecen en la mente de todos nosotros

Nació en Melgar, Tolima, y no viene de familia musical ni de tradición artística, pero descubrió su inclinación en la infancia. Sabía que quería ser futbolista o cantante. Cantaba por las lomas de mientras recogía café y cortaba caña. Todo comenzó como a los 9 años en el colegio donde estudiaba. Cuando sus padres se separan, su madre se los llevó a vivir a Fusagasugá. En la hora literaria, donde los chicos demostraban su talento natural, lo que él hacía siempre era cantar, influenciado por los temas de Palito Ortega y Leo Dan: «Nos daban libertad para hacer lo que quisiéramos. Sin  tener conocimientos musicales ni tocar un instrumento, siempre me paraba a cantar».

En 1970 viajó con su mamá (modista) y su hermano, a Bogotá, para vivir en una pieza en el barrio Santa Isabel. Más tarde organizó el trío Alma Latina, con el que daba serenatas. Sin haber sido un propósito programado llegó a la música por accidente, porque buscaba un trabajo y aprendió a tocar la guitarra para poder enseñar en una academia musical. Practicaba muchas horas diarias hasta que lo llamaron: «No tenía ropa para presentarme y un tío que era más alto y gordo que yo me prestó un traje que logré ajustar». Se presentó y lo aceptaron.  Llevaba un año en la academia cuando empezaron a darse las cosas con un sello venezolano que le propuso grabar un disco: «Uno resulta en el camino del éxito por destino, por un propósito celestial divino».

Sobre la balada romántica dice: «Sabemos que la música ejerce un poder de influencia muy grande sobre la juventud y la sociedad. La persona que quiera caminar con despecho será una persona que va a caminar triste. Pero cuando quiera enamorar a alguien, con canciones dignas, coherentes, y con letras respetuosas, debe entrar a la balada, música del corazón, hecha con mucho respeto para enamorar positivamente, nunca para agredir, siempre para tocar los corazones».

Como él mismo lo dice, Melgar está en su corazón, Fusagasugá en su alma, y en su espíritu: Dios. El encuentro con dios llegó con la conciencia de que existe la brujería: «Hay personas que no aceptan el rechazo y acuden a ella para hacer daño, así que me metí de lleno a leer la biblia y a vivir en obediencia».

Lo hace feliz dormir hasta las 10 de la mañana. Lo hace llorar ver a las personas usar a las personas. Es el autor y compositor de casi todas las canciones que interpreta. Sus canciones no son biográficas y por eso todos las cantan, porque sienten que les pertenecen, se identifican con ellas. Se arrepiente sólo de haber encontrado a dios tarde, hace 15 años: «Me  hubiera gustado conocerlo más joven para no haber cometido algunas imprudencias que me afectaron el andar».

Hobbies: Prácticas deportivas, futbol, atletismo y ciclismo

Valores: Amor por la vida, por la familia, mucho respeto.

Nunca ha tenido manager, y gratitud, sólo a dios

Un feliz cumpleaños!

Julio 21 de 1988: Muere Pacho Galán

Se nos fue El rey del merecumbé, el compositor del porro que movió la campaña de Jorge Eliécer Gaitán.

Cantante, arreglista, compositor y director de orquesta, el maestro Pacho Galán murió en Barranquilla, ciudad donde había transcurrido gran parte de su carrera artística. En 1958  tuvo la oportunidad de vincularse a la RCA Víctor de México. Le enviaron un contrato fabuloso, en dólares, para que fuera a vivir al país azteca y remplazar a Dámaso Pérez Prado, quien se había venido abajo con su ritmo, el mambo. Prefirió quedarse en Barranquilla.

Vino al mundo como Francisco De Asís Galán Blanco, en Soledad, y había iniciado su vida musical desde muy niño, haciendo su primera composición a los 14 años, un vals llamado Teresa. Aunque generalmente se cree que fue empírico en el arte musical, Pacho Galán tuvo estudios en academias en sus años de juventud. Comenzó su carrera a los catorce años y se desempeñó en la ejecución de la trompeta y el clarinete, pero también dominaba el violín y el piano.  Su vena musical le llegó por la rama materna: los Blanco.

Conoció el éxito a partir de los 45 años, después de haber grabado por primera vez en Medellín «Ay cosita linda», el merecumbé que le daría la vuelta al mundo.

El merecumbé, una mezcla de merengue y cumbia, lo creó en una época en la cual la avalancha de ritmos bailables internacionales erán abrumadores. Para componer Ay, cosita linda, se inspiró en una hermosa joven de quien se enamoró pero ni siquiera llegó a conocer su nombre. Por eso dice en la canción «Anoche, anoche soñé contigo».

Perteneció a diferentes agrupaciones y además del merecumbé creó más de 10 ritmos bailables, de los cuales trascendieron el chiquichá, el tuqui, el mece-mece. Llegó inclusive a orquestar y grabar por primera vez un vallenato, El compae Chipuco.

Algunas anécdotas con Pacho Galán: «En una recepción que le hicieron en el Club Los Lagartos al doctor Alberto Lleras Camargo cuando era presidente, él me dijo: Maestro, toque esa que dice Ay cosita linda, mi amor. Ese día la toqué como nunca y el doctor Lleras rompió el protocolo y sacó a bailar a la señora del presidente del club. En otra ocasión, ante el presidente Guillermo León Valencia, me disponía a tocar un vals porque creía que así lo deseaba el mandatario. Pero me llamó para decirme: Vea, maestro Galán, no me vaya a salir usted ahora tocándome el mismo valsecito que me tocan todos. Hágame el favor de tocarme Ahí está la pared, esa que canta Daniel Santos». Y Pacho Galán, uno de los genios músicos que ha brotado de nuestro territorio costeño, en 1945 durante un viaje en barco de vapor por las aguas del río Magdalena que partió desde Barranquilla rumbo a Honda, se conoció con Jorge Eliécer Gaitán. Pese a que Pacho era conservador, tuvieron empatía.

Según contaba su nieto, fue Jorge Eliécer quien se acercó a su abuelo y le propuso que participara en el concurso público del gaitanismo para la creación del tema de su campaña política. El maestro Pacho aceptó y salió ganador. El premio fue de unos $500. Participó con un porro que tituló A la carga, que pese a ser grabado en un ritmo popular bailable poco conocido por las élites, producía entre los militantes un sentimiento de solidaridad que las palabras no podrían lograr. Carmen Galán, la hija del maestro, recordaba lo que tuvo que vivir en carne propia luego de que el tema se escuchara por todos los rincones del país: «Nos decían que mi padre era «pastelero», porque siendo conservador le hizo el tema de campaña a un político liberal, y debido a que en aquella época las disputas entre liberales y conservadores eran tan fuertes, me llené de muchos miedos, al punto que prefería no comentar ni quién era mi padre”. El porro se popularizó en el país.

Pacho Galán murió el 21 de julio de 1988 en Barranquilla.

Julio 20 de 1973: Muere Bruce Lee

Murió «El pequeño Dragón». Pocos son los que logran convertirse en leyendas, porque para que eso suceda es necesario hacer algo notable en la historia y Bruce Lee lo logró. Muchos piensan que solo hacía películas, pero su vida tenía mucho más que eso. Bruce Lee fundó un nuevo arte marcial, Jeet Kune Do, fundó varias escuelas de artes marciales, fue maestro de varios actores, como Steve McQueen, y además seguía siendo filósofo y escribía poesía. También escribió varios libros sobre artes marciales y filosofía de combate que se hicieron conocidos por sus afirmaciones filosóficas.

Nació en San Francisco, pero fue llevado a Hong Kong con solo 3 meses. Hijo de un comediante de ópera china y actor de películas, fue con su padre que comenzó a practicar artes marciales. En 1959, ante un período en el que Hong Kong fue tomado por las pandillas y la violencia, sus padres lo enviaron de regreso a los Estados Unidos. En esta nueva etapa, el joven estudió Filosofía en la Universidad de Washington, mientras impartía clases de Kung Fu en el campus universitario y otros lugares públicos.

Su viaje por el cine y la televisión empezó en 1966 en series de televisión. Hizo una pequeña aparición en Batman y otra en Ironside. La última película en la que participó antes de morir fue “Enter the Dragon, en 1973, año en el que cuenta la historia, la última siesta del ícono de las artes marciales en la casa de la amante acabó en innumerables especulaciones.

La estrella de cine asiático se durmió a las 7:30 p.m. ese 20 de julio aparentemente sano, a la altura de sus 32 años. El hombre casado estaba en casa de su amante. Horas antes de quedarse dormido, solo había tomado un analgésico, Equaseic, para los dolores de cabeza. Un rato después llegó la sorpresa: Lee no se había presentado a cenar. Su amante trató de despertarlo, pero no lo logró. Se llamó a un médico pero tampoco logró revivirlo. Una ambulancia lo llevó al hospital, pero ya era demasiado tarde. El ícono de las artes marciales estaba muerto. Y surge un misterio. La hipótesis más común la involucró a ella, la actriz Betty Ting Pei, quien había sido la que le había administrado el Equaseic. Algunos fanáticos dijeron que lo hizo a propósito para matarlo. Esto se debe a que ella trabajaba para una sociedad secreta. Pero ningún rumor justificaba por qué la mafia tenía interés en acabar con Lee. Parecían meras teorías de conspiración de las vidas de sus personajes en las grandes pantallas de cine. Todas las hipótesis no tenían nada que ver con la vida personal del actor. Y nada de esto ha sido probado hasta el día de hoy.

Durante una entrevista en 1975 Chuck Norris declaró que creía que Lee había muerto por una combinación de relajantes musculares. Las palabras de Norris provocaron un debate sobre lo que realmente consumía el luchador: ¿estimulantes para mantenerlo en forma? ¿Suplementos de hierbas? Ante todo esto, creo que cualquier teoría creada sobre su muerte ya no tiene sentido. Aún no se sabe si fue realmente un golpe de calor, un aneurisma, efectos de drogas o incluso un asesinato. Lo que se puede decir es que el legado de Bruce Lee en el cine de artes marciales continúa, e incluso su propia muerte lleva el misterio de las películas de acción. Una leyenda que partió demasiado pronto, pero que vivirá para siempre en el corazón de sus fans.

Julio 19 de 1930: Aniversario de Julio E. Sánchez Vanegas

Hoy está de cumpleaños un visionario de la TV. Hablar de Julio Sánchez Vanegas es remontarnos al origen de nuestra televisión; una tercera parte de su vida ha transcurrido al frente y detrás de cámaras, de micrófonos y consolas de radio, como productor y conductor.

Llegó a la televisión el mismo día que esta nacía en Colombia, el 13 de junio de 1954. Por solicitud del General Rojas Pinilla fue uno de los primeros presentadores que vimos los colombianos. Y llegó para quedarse y hacer historia con una exitosa carrera apareciendo por décadas en esa caja mágica, donde hizo grandes aportes no solo en formatos sino en estilos de presentación, en creación de escenografías, con lo que hubiera a la mano, y dándonos la oportunidad de ver, en vivo y en directo, eventos internacionales como Miss Universo, los premios Óscar y Los grandes Shows musicales.

Su programa Concéntrese marcó una época. Él fue quien dijo: «Y con ustedes, la televisión». Así comenzó toda una carrera de primicias y de hechos trascendentales que repercutieron siempre en beneficio de nuestro país, con su aspecto bonachón y el inconfundible tono de voz que le  dio identidad como presentador y maestro de ceremonias.

Ha sido galardonado con todos los reconocimientos a su vida y obra en Colombia, lo que repercutió en otros países: La Gran Medalla de La Voz de Los Estados Unidos de América, Diploma de Honor el arte y folclore de Moscú, El premio Raduga otorgado por los países de la U.R.S.S, entre otros reconocimientos internacionales.

El patriarca de la dinastía Sánchez Cristo no duda en aclarar que su gran acierto fue haberse casado con Lily Cristo Nasser quien ha sido su gran apoyo y motivo para pensar en grande y hacer realidad todos sueños, su hogar, y sus logros, los que lo proyectaron como el más exitoso e internacional productor de radio y televisión colombiano.

Su gran satisfacción, haber educado, proyectado y apoyado a sus hijos, cuatro profesionales que se han distinguido en sus respectivas áreas, de producción, presentación, animación, y dirección de televisión.

Julio 18 de 1945: Nace Francisco Zumaqué

Nació en Córdoba, un músico, compositor, arreglista, director y productor musical colombiano de ritmos caribes.

Francisco Zumaqué aprendió música escuchando la orquesta de su padre, director de la Banda Departamental de Córdobalas, bandas de viento y los conjuntos de vallenato en Cereté. Se graduó en el Conservatorio de música de la Universidad Nacional, y gracias a su desempeño académico recibió una beca para continuar sus estudios en el Conservatorio Americano de París, donde obtuvo un prestigioso premio que le permitió tomar lecciones con la prestigiosa pedagoga francesa Nadia Boulanger.

Inicialmente su repertorio estaba compuesto por música de academia, muy elaborada, que no impresionó a su maestra. Sólo hasta que interpretó una canción que había compuesto para una telenovela colombiana que incluía cantos de la región del Chocóno, no obtuvo solo su atención sino que lo convenció de incursionar en esos ritmos para definir su propio estilo.

Es uno de los compositores más versátiles de último siglo. Domina con igual destreza la música contemporánea, electroacústica, de cámara, banda, orquesta sinfónica, orquestas tropicales, música colombiana, el jazz y fue uno de los primeros en fusionar aires colombianos con jazz y otros géneros. Su composición «Macumbia» es icónica en la historia de nuestras músicas. Ha sabido introducir la música primitiva y popular colombiana en composiciones orquestales y le ha dado un toque vanguardista y renovador a la música popular colombiana, como por ejemplo en su Porro Novo. Ha compuesto música para cine, televisión y comerciales. A su talento personal se suman sus experiencias en Europa, para producir un estilo particular, vistoso, flexible y siempre preocupado por establecer su sello cultural.

Después de finalizar sus estudios en París, Zumaqué trabajó como profesor de composición de la Universidad Nacional de Colombia y como investigador del Instituto de Bellas Artes de México. También trabajó como compositor y arreglista de la Fania All Stars. En 1985 compone la canción Colombia Caribe, realizada como himno para el Festival de Música del Caribe y que se convirtió en su obra más difundida, especialmente porque se comenzó a usar para ambientar los partidos de fútbol de la selección nacional, coincidiendo con una época de éxitos deportivos y una generación de futbolistas destacados. El éxito de esta composición lo ha catalogado como el segundo himno nacional.

En el 2017 fue homenajeado con una producción discográfica y una serie de conciertos por parte del Banco de la República y la Biblioteca Luis Ángel Arango, y hoy continúa creando. Durante su trayectoria ha recibido múltiples premios y distinciones entre los que se encuentran: Premio de composición Príncipe Rainiero de Mónaco, Premio Goethe de composición de Munich, dos veces ganador del Gran premio de composición Lili Boulanger, y ha sido reconocido como uno de los 100 grandes personajes del siglo XX en Colombia.​

Francisco Zumaqué, 76 años de eclecticismo!

Julio 18 de 1998: Muere Tito Cortés

Colombia perdió a un grande del Bolero Son, «El Ciclón del Pacífico», que dedicó 45 años de su vida a la interpretación de música popular dejando más de 100 trabajos discográficos. El camaján de Cali, El bacán de barrio que durante medio siglo le cantó a las mujeres, al diablo y al desamor. Cuentan que sus canciones llenaban, con sus letras corta venas, las cantinas de los barrios. Porque le cantaba a las penas del alma.

Luis Alberto Cortés Bonnet, Tito Cortés, nació en Tumaco y se quedó en Cali para siempre. No conoció a su padre y fue criado por Leocadia Fermín, quien no era su madre natural. Acompañándose con su guitarra, comenzó a cantar en los cabarets de los barrios bajos de Cali.

De él se ha dicho que era un gran aficionado del fútbol y gran émulo de Daniel Santos, con el que tuvo fuertes controversias, y quién llegó a acusarlo de imitador. Más tarde, surgió entre ambos una buena amistad que terminó con la interpretación de Daniel de la canción El cinco y seis, compuesta por Tito. Tito y Daniel compartieron rumba, música, el metal de sus voces y un gusto interminable por las mujeres.

Un mes antes, en el entierro de su amigo y colega Piper Pimienta había dicho: «Se fue a cantar en el cielo». El día de su muerte muchos artistas decían que «los dos grandes de la canción popular harán dúo en los coros celestiales».

Quienes compartieron su vida artística lo recuerdan con admiración y respeto. Como un gran amigo: «Bacaniado, simpático, buena gente, amigo de la rumba, enamoradizo, charlón, y como un gran artista que se inspiraba en las cosas cotidianas, una mujer, un paisaje o un momento de su vida. Es reconocido como uno de los primeros cantantes del despecho en tener amplia aceptación. Sus temas siempre se relacionaron con el desengaño, las partidas y el abandono. Hablaban de que el mundo se podía derrumbar, y el cielo con la tierra juntarse, si la mujer amada se te iba del lado. Con su voz azotó bares y cantinas, y en los 70 estaba en la cúspide de la música popular de nuestro país. Se habla también sobre su amor por las mujeres. «En las presentaciones las muchachas se subían a la tarima a abrazarme y a besarme».

Nadie lo confundió nunca con un galán. En palabras del poeta nadaísta Jotamario Arbeláez: «Se trataba de un bailarín arrebatado de música mexicana y caribeña de los años 50. Su atuendo consistía de pantalones de bota angostísima con doblés estilo tarro, y una chaqueta de paño a cuadros con solapas anchas, como ancha era la pretina del pantalón por encima de la correa bien angosta. Usaba zapatos combinados y con puntera punteada, con una extra de suela en los tacones por aquello de la estatura. Es que Tito tenía una gran voz, pero no era el más guapo. Y por eso el esfuerzo que ponía en su cabello, que formaba una bomba sobre la frente llamada mota, y que se apretaba con gomina en los parietales». También hablaba de su tumbao: «Al caminar, oscilaba sus brazos por detrás del cuerpo y las puntas de los zapatos apuntaban hacia los lados»

«A mi papá le gustó el trago, pero no tanto como dicen. Fumó mucho, cuatro paquetes de cigarrillos al día. Fue eso lo que lo llevó a la tumba. Pero siempre nos decía que tuviéramos cuidado con los vicios», recuerda su hijo

Tito decía en una de sus entrevistas: «Nunca imaginé la fama que iba a tener. No conseguí plata porque no fui apegado a ella. Como mi compadre Daniel Santos éramos muy amplios y preferíamos un amigo a un peso». Era un cantante humilde.

Recordemos hoy pues una voz que sigue alumbrando las noches de quienes desean reconciliarse y volver a empezar.

Julio 16 de 1976: Aniversario de Valeriano Lanchas

Hoy está de cumpleaños uno de los cantantes líricos (bajo barítono) más famosos de Colombia. Valeriano Lanchas, hijo de madre libanesa y padre español, nació en Bogotá en 1976 y decidió ser cantante lírico a los 6 años cuando su madre lo llevó a ver la primera ópera en el teatro Colón de Bogotá: «Yo tenía seis años, pero me acuerdo incluso de cómo estaba vestido. Recuerdo también que el palco se abría con una llave, como si con ella se descubriera el mejor de los secretos. Fue mi madre la que me explicó que ese tablado con gente cantando, que yo no dejaba de señalar mientras decía que quería estar ahí, se llamaba escenario». De pequeño nunca quiso ir al conservatorio: «Le tenía horror a tener que llegar del colegio y encerrarme 8 horas a estudiar teoría y todo eso, me parecía horroroso, y nunca me lo impusieron afortunadamente».

Aprendió a leer música y a tocar piano a los 14 años: «De una manera bastante primitiva. Vivíamos en Chía y mi papá tenía un piano. Cuando le dije que era imposible leer música me dijo: son 5 líneas, agradece que no son 5.000, aquí hay un do, aquí hay otro do, y lo demás es más claro que el agua. Y tenía toda la razón. Eso fue por la mañana y ya por la noche había entendido cómo funcionaba. Luego se volvió pura cuestión de práctica.

El gran trampolín fue la llegada de Pavarotti a Colombia en el 1995. Estaba organizando el concurso Luciano Pavarotti que hacía cada 5 años y lo invitó al concurso en Filadelfia. Se ganó el concurso y luego hizo su debut internacional cantando con él. Su gran maestro sin embargo ha sido Plácido Domingo con quien ha compartido años de carrera: «Me abrió las puertas para cantar con él y le ha dado consejos muy precisos».

Valeriano Lanchas tiene una versatilidad que le permite interpretar roles dramáticos, cómicos, y explotar al máximo las condiciones de su voz. Aparte de cantar ópera ha experimentado con otros géneros, una vez hizo un concierto con Andrea Echeverri y también grabó un disco de Jazz. Debutó en el Metropolitan Opera House de Nueva York en el 2015, regresando en las siguientes temporadas.

Dueño de una carrera deslumbrante que lo ha llevado por numerosos escenarios de ópera del mundo, en el 2019 debutó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Siempre vuelve por Colombia donde ha ejercido una influencia muy grande en el movimiento del canto lírico, que se ha visto reforzado, mostrando que es posible llegar a alturas impensables

Un Feliz cumpleaños a nuestra gloria lírica!

Julio 15 de 1940: Muere “El gigante de Alton”

Murió en un hotel en  Michigan el ser humano más alto de la historia del cual existen pruebas irrefutables según el Libro Guinness de los Récords. Su muerte fue muy prematura, con apenas 22 años. Hoy a 81 años de su muerte se lo sigue recordando porque nadie, antes o después, llegó a medir lo que él.

Robert Wadlow fue conocido también como El gigante de Alton. Alcanzó una altura de 2,72m con un peso de 199 kg antes de morir. Era flaco y no dejó de crecer hasta su muerte. Los médicos que lo examinaban concluyeron que su excepcional tamaño fue causado por una hiperplasia de la glándula pituitaria a la que nunca se le suministró ningún tratamiento.

Nació en 1918 en Alton, Illinois, y nada hacía presagiar que aquel bebé de dos padres de estatura media y que había pesado 3.85 kg acabaría llegando tan alto. Pero a los pocos meses la familia comprendió que no era igual a los otros niños. Antes de cumplir el año ya doblaba en peso y altura a los chicos de su edad. Con cinco años ya medía 1,63 y con ocho ya superaba a su padre alcanzando el 1,80.

Iba al colegio, tenía buen rendimiento escolar y se llevaba bien con sus compañeros aunque no pudiera compartir con ellos muchas de las actividades. Según los especialistas, su inteligencia era superior a la de los chicos de su edad. Quizá el motivo fuera que estaba obligado por su apariencia a actuar como si fuera mayor. La imposibilidad de compartir actividades con sus compañeros, (No tenía permitido practicar deportes. No se sabía cuánto podía aguantar su corazón), hicieron que se refugiara en la lectura. Leía alrededor de 300 libros al año.

Al principio sus padres buscaron antecedentes familiares de personas altas. Eran otros tiempos, había menos información y nadie podía concebir que crecer demasiado llegara a ser un problema. Pero lo que entonces era una caja de anécdotas y sonrisas por las peculiares imágenes que dejaba aquel niño, pronto se convirtió en todo lo contrario. Su increíble altura provocó una serie de problemas médicos ya desde niño, que empeoraron a medida que entraba en la adolescencia.

Robert superó los 2,45 metros con 17 años. En 1936 se matriculó en la universidad con la intención de estudiar Derecho. Ya era toda una celebridad. Era un joven tranquilo, afable y que atendía a los medios y todo aquel que quedaba sorprendido ante su estatura. Una estatura que también utilizó para ganar algún dinero en apariciones públicas. Fue modelo publicitario de gorras y de zapatos.

A cada lugar al que iba la gente se amontonaba a su alrededor. Querían ver de cerca sus manos grandes como espaldas, y los zapatos que parecían brillantes botes salvavidas. Los hechos confusos e incómodos eran cotidianos. Esa altura lo obligaba a estar siempre alerta. Cualquier puerta, cualquier viga de un techo podían convertirse en un arma mortal para él. O al menos en una situación dolorosa. En uno de sus viajes fue con su padre al bosque de sequoias, esos árboles inmensos. «Papá, es la primera vez en mi vida que me siento pequeño ante algo», dijo

Su fama aumentaba a la par que su tamaño y sus problemas de salud, que crecían a la misma velocidad que su físico. Cada tanto alguna dolencia lo llevaba al hospital, pero los médicos poco podían hacer.

Las exequias fueron multitudinarias. Más de 40 mil personas salieron a la calle. No se sabe si para acompañarlo o para poder ver ese ataúd de tres metros de largo cargado por 16 personas. Su madre quemó y rompió todas las pertenencias. No quería que se convirtieron en reliquias buscadas por coleccionistas de fenómenos y de rarezas, quería que su hijo fuera recordado como un buen chico y nada más.

En Alton sus rastros se encuentran por todos lados, y en medio de la plaza principal hay una estatua tamaño natural para que los visitantes entiendan por qué era conocido como “El Gigante de Alton”.

Julio 14 del 2000: Muere Pepo

Murió el humorista chileno creador del pajarraco, como lo llama su eterno enemigo Pepe Cortisona.

René Rodolfo Ríos Boettiger, Pepo, nació en Concepción en 1911, y cuentan que desde niño tenía vocación para el dibujo y publicó su primera caricatura a los 7 años en un diario. Animado por su padre siguió con sus diseños hasta realizar su primera exposición en una confitería de su ciudad a los 10. Entró a la Universidad para estudiar medicina, pero luego de dos años se retiró. Los lápices y los pinceles lo llevaron a Santiago, donde trabajó en una revista de humor político.

Luego de ver la película de Walt Disney, Saludos Amigos, en 1942, donde se caracterizaba a los países latinoamericanos como diferentes personajes de caricatura, Pepo concibió a su personaje. Para Chile, Disney creó a Pedrito, un pequeño avión que, bautizado en honor al presidente de ese entonces, Pedro Aguirre, cruzaba con dificultad la Cordillera de los Andes para entregar la correspondencia en Argentina. La respuesta llegó casi cinco años después del estreno de la película, con un personaje que representaba a un Cóndor, inspirado en el escudo nacional de su país. A juicio de Pepo, el Pedrito de Disney no encarnaba el alma nacional y, a modo de desagravio, creó a Condorito. «Pensé en nuestro escudo, pensé en el huaso (campesino), y el cóndor, pensé que entre las dos figuras estaba mucho más cerca de lo que nosotros somos. Por eso lo hice bajar de la cordillera, le calcé ojotas, (un calzado usado en los trabajos del campo), le puse sombrero y manta de huaso, y lo hice vivir en el mundo de los humanos»

La primera caricatura de Condorito apareció en el número uno de la revista Okey, en 1949. Un personaje hecho de la mezcla entre un cóndor y un huaso chileno que decide dedicarse al robo; (sin embargo, su primera víctima resulta ser un experimentado asaltante, quien termina robándole hasta las ojotas).

En los años en que la migración rural provocaba una nueva realidad urbana, Condorito era la representación gráfica del campesino pícaro y bromista que intenta sortear las dificultades financieras y los reveses de la vida citadina a punta de ingenio. Poco a poco se fue transformando y su aspecto se fue volviendo cada vez más humano. Para 1955, cuando apareció el primer número de la revista con su nombre, ya tenía su apariencia definitiva. Y la imaginación de Pepo no se detuvo. Rápidamente creó para su personaje una particular familia y un lugar donde vivir. Creó la ciudad de Pelotillehue y una legión de personajes que dan vida a un universo bastante pintoresco.

Condorito no solo ha desempeñado un sinnúmero de ocupaciones y oficios: en una página lo vemos vestido de bombero, en la otra de doctor, para luego ser un campesino arando la tierra. Además ha encarnado a políticos, deportistas, científicos y artistas. Sus aventuras lo han llevado a distintos países y a diferentes épocas históricas. El personaje por su internalización perdió la esencia chilena, pero sigue siendo ese personaje que no hace daño, pero sí reír.

Asiduo visitante del balneario chileno de El Quisco, fue en ése lugar donde se levantó lego una estatua de Condorito, en el mismo sitio donde acostumbraba dibujar mientras observaba el mar.

Pepo decía: «Para el dibujo se necesita una cultura general amplia, hay que tener conocimientos de historia, psicología, arquitectura. No basta saber inventar diálogos».

Julio 13 del 2007: Muere Arnulfo Baena

A las 7 de la noche murió el maestro Arnulfo Baena Pineda, quien fuera el guitarrista estrella del Dueto de Antaño y un reconocido educador. El acontecimiento pasó desapercibido para los medios y para muchos de sus amigos. Cinco días después lo vino a registrar la cadena radial Todelar y muy especialmente el periodista César Pérez Berrío: un medio y un amigo que lo apreciaron mucho.

Don Arnulfo acompañó a Ramón Carrasquilla y a Camilo García durante quince años. Luego a la muerte de Ramón Carrasquilla, estuvo durante diez años con Darío Miranda y Camilo García, el Dueto del Pasado, que fue una especie de prolongación del Dueto de Antaño.

Había nacido en Sopetrán en 1926, es decir que la muerte le llegó después de cumplir 81 años. Cerca de seis años llevaba el Maestro sin coger una guitarra, un cáncer contra el que luchó por más de trece años, la diabetes y las enfermedades propias de su edad, lo habían llevado a olvidarse completamente del instrumento que interpretó con tanta versatilidad. Ni siquiera volvió a cantar con su esposa, con quien conformó un espléndido dueto que alegró muchas fiestas familiares. En los últimos años se había dedicado a los suyos. La melancolía, la tristeza, y sus males, lo habían alejado de lo que siempre lo rodeó: la música y la alegría.

Cuentan que fueron muchas las meriendas de la colonia de Sopetrán que alegró, y que fue un gran amigo desde la juventud del cardenal Darío Castrillón, quien lo asistió espiritualmente tres horas antes de morir, en una conmovedora y piadosa ceremonia. Presentía la inminencia de su muerte. Tanto que dispuso cómo debía ser su entierro: Nada de solemnidades. La santa Misa, luego de su muerte y la cremación, fueron sus perentorias órdenes. Cuando ya comenzaba a perder la conciencia, cuatro días antes de la muerte, conversó con un amigo: «Lo único que lo entusiasmó fue hablar del Dueto de Antaño. Todos los presentes entendimos el significado de una respuesta que dio el Maestro cuando le pregunté por la composición que más le encantaba de su Dueto. Dijo que Flores del Pasado, un pasillo ecuatoriano, y cantó a capela un pedazo: «Yo seré como esas, flores del pasado». Todos entendimos que llegaba el fin. Tres días después entró en un sopor definitivo y a veces simulaba tocar la guitarra y darse la bendición».

Fue educador al servicio del Departamento. Se inició como maestro de escuela en el municipio de Andes, luego pasó a Medellín y con los años ascendido a Supervisor de la Secretaría de Educación Departamental. Terminó su labor oficial como Director de Escuelas Normales de Antioquia.

A este inigualable intérprete de la guitarra lo describían como gran un amigo y ejemplar ciudadano. De Sopetrán, sus autoridades y sus habitantes esperan el reconocimiento merecido a su vida y obra de Arnulfo Baena, para que con él no pase lo que sucedió con Ramón Emilio Carrasquilla Peña, la primera voz del Dueto de Antaño, que tan fácil lo han olvidado.

Julio 10 de 1958: Aniversario de Alexis Lozano

Nació en Quibdó un músico, compositor, director y productor colombiano, cocreador junto a Jairo Varela del Grupo Niche, y además creador de la Orquesta Guayacán.

Alexis Lozano Murillo desde su niñez hizo sus primeras presentaciones con la Timba del barrio Cesar Conto en Quibdó. Se inició en la ejecución de la guitarra de la mano de sus hermanos con el grupo los Tremenditos. En 1970 se vinculó a la escuela de música de la catedral de Quibdó, donde aprendió solfeo, gramática musical y a ejecutar los instrumentos de viento. La salsa, de la que se enamoró, llegó a Colombia a través de los medios y su llegada no fue anónima ni silenciosa, sino que estuvo cargada de la efervescencia que despertó un veterano músico neoyorquino, el pianista Richie Ray.

Alexis se trasladó a Bogotá a estudiar en la Universidad Nacional, se unió a Jairo Varela, otro nativo de Quibdó, y fundaron el Grupo Niche con el que participó en su primer sencillo y cuatro elepés, pero debido a diferencias personales lo abandonó para formar su propia banda. Reunió a un grupo de jóvenes y talentosos músicos, a los que entrenó por tres años hasta que en 1986 con la Orquesta Guayacán lanzó, Llegó la hora de la verdad.

En pleno diciembre del 2020 los seguidores de Guayacán vieron reverdecer un nuevo éxito y esta vez en homenaje a Bogotá salsera que hace parte de la producción número 20 en sus 34 años, del álbum llamado Sin Par: «Porque Guayacán es una orquesta sin par», que tiene 10 temas concebidos entre Colombia, Cuba y Estados Unidos. «Guayacán es de Cali, y con este homenaje también es de Bogotá. Cuando salimos del Chocó y llegamos a Bogotá en la década del 70, era una ciudad fría, no solo en cuanto al clima sino en el ambiente nocturno, y los que llegábamos de las provincias llevábamos en las maletas los discos que estaban pegando. Tenía uno que llevar la música de su casa para una fiesta. La salsa entró a Colombia por Buenaventura, Bogotá no estaba en esa órbita, quién se iba a imaginar que se iba a convertir en capital salsera.

Hay un viejo refrán que dice no hay mal que por bien no venga, y en medio de tantas limitaciones por la tal pandemia, acudimos a la creatividad. En tiempos normales hubiéramos ido a Bogotá, pero lo difícil lo vuelve a uno creativo y el resultado es un video lindo, divertido, con mucho sabor, que sacará una sonrisa a más de uno. Gracias a Dios iniciamos nuestro proyecto un año antes de empezar esta cosa. Nos ha ido bien, hemos andado por el mundo, hay un acumulado emocional para Guayacán en todos los países. Es algo maravilloso y siempre le damos las gracias y la gloria a Dios porque nos puso a viajar por el mundo detrás de nuestras canciones, dándonos placer, alegría, y una vida digna. Guayacán es Cali hecha música. Donde quiera que vamos, cantamos, y todo el mundo canta y baila: las caleñas, mexicanas, venezolanas, las ecuatorianas, las peruanas, las puertorriqueñas, las gringas».

Sin embargo, sienten que en su propia ciudad tienen enemigos: «Es más el sinsabor que hemos tenido con quienes manejan Corfecali que el reconocimiento que hemos recibido».

Los dos, Nino y Alexis son el equipo irremplazable que ha alimentado a la Orquesta Guayacán durante años. Nacieron en el mismo barrio, en la misma calle. Sus vidas están tan ligadas que uno descansa en el otro. Una hermandad de la vida: «Nino hace las canciones que es su fuerte. La misión mía es que la música de Guayacán sea excelsa. Yo cuido el estilo musical de la orquesta y Nino cuida la parte administrativa.

Le deseamos un muy Feliz Cumpleaños!

Julio 10 de 1972: Aniversario de Sofía Vergara

Hoy está de cumpleaños! En los últimos años Sofía Vergara se ha convertido no solo en la figura colombiana del espectáculo más conocida en términos internacionales (lo siento, Shakira), sino también en la actriz colombiana mejor pagada en el mundo entero, como lo reveló inicialmente Forbes en un informe del 2016 y cuyas circunstancias se repitieron para el 2020. Pero lo importante no es el dinero que tenga, sino lo que esté haciendo con su fortuna (o una parte de ella) en beneficio de otros seres humanos, lo que la distinga como una mujer trascendente en tiempos de pandemia a través de su colaboración con Kiva, una organización californiana sin fines de lucros que proporciona micropréstamos a personas pertenecientes a comunidades desatendidas en el mundo entero, y que se ha aliado a la intérprete de Modern Family con el fin de lanzar un fondo de apoyo para las personas afectadas por el COVID-19 que no son favorecidas habitualmente por los Bancos.

Hasta el momento Kiva ha logrado recaudar más de US$152 millones, lo que ha servido para ayudar a 228.000 propietarios de negocios pequeños. Naturalmente, la campaña ha servido también de ayuda para las mujeres que requieren de esta clase de respaldos, y de hecho, ella se siente particularmente orgullosa del modo en que le ha permitido reinventarse a la dueña de un restaurante en Colombia: «que, gracias al dinero obtenido, ha podido retomar su negocio de una manera novedosa, haciendo incluso entregas a domicilio ante la imposibilidad de atender a sus clientes en el local mismo debido a las restricciones sanitarias».

Estoy muy orgullosa de continuar mi trabajo con @kiva.org, que sigue apoyando a las mujeres en los negocios por todo el mundo. Todos podemos ayudar a luchar contra las desigualdades a las que nos enfrentamos cada día.

Un Feliz Cumpleaños a Sofía!

Julio 9 de 1932: Muere King Gillette

Murió en Los Ángeles el hombre que fue universalmente conocido por su retrato en los paquetes de hojas de afeitar.

King Camp Gillette había nacido en Wisconsin. Su padre tenía una ferretería y le apasionaba inventar. Su madre escribía libros de cocina. En este ambiente creativo comienza su pasión por las innovaciones sin mucha suerte al principio. Pero cuando trabajaba en una empresa de embotellado, un compañero le da la mejor pista: se debe buscar algo que, una vez que se use, haya que tirar y el cliente tenga que ir por más.

Dice la historia de la compañía que un día camino al barbero se le ocurre la idea: un mango de madera fijo y una cuchilla intercambiable de acero. Las afeitadoras hasta ese entonces solían ser más grandes y pesadas, y costaban tanto que cuando la cuchilla perdía el filo, no la botaban sino que la afilaban. De hecho, ambas partes eran caras: las afeitadoras costaban US$5 dólares, cerca de un tercio del salario semanal promedio. Gillette se dio cuenta de que si podía inventar algo que mantuviera la cuchilla rígida, la podía hacer mucho más delgada y, por lo tanto, producirla sería más barato.

«Lo tengo, nuestra fortuna está hecha». Con esa frase King C. Gillette anunciaba a su esposa el invento que se le había ocurrido. No se equivocaba. Tras seis años de trabajo con ingenieros y metalúrgicos nació la Safety Razor (cuchilla segura), la primera desechable para afeitar.

En 1901 la patente está lista y comienza a venderse esa hoja de acero estampada, económica, con un alto margen de beneficio, y un modelo comercial único. Aunque al finalizar el año 1903 tan solo habían vendido 51 máquinas y 168 hojas, en diciembre de 1904 las ventas ascendían ya a 90.884 máquinas y 123.648 hojas. En 1906 la compañía inició su expansión internacional: «La pequeña compañía se movía deprisa y tenía una visión global del negocio. No hay otro artículo para uso personal tan conocido universalmente y distribuido tan ampliamente como la cuchilla Gillette. En mis viajes, las he encontrado tanto en pueblos perdidos de Noruega como en el corazón del desierto del Sahara», aseguraba el propio Gillette 25 años después. La cara del fundador aparecía en todos los envoltorios de la Safety Razor, convirtiéndole en un hombre sumamente famoso.

En 1915 aparece la primera maquinilla para la mujer, con el nombre de Mylady Décolleté. El eslogan no menciona la palabra afeitado, que ya entonces resultaba demasiado masculina: «El método más seguro e higiénico para tener unas axilas suaves», decía el anuncio. En 1921 caduca la patente y se enfrenta a los competidores. Sin embargo eso no afectó el negocio. En 1925 el ritmo de ventas alcanza los 15 millones de máquinas y 623 millones de hojas. En la actualidad, más de mil millones de personas en todo el mundo utilizan uno o más de sus productos

Julio 9 del 2011: Muere Facundo Cabral

Facundo Cabral murió por una pelea ajena y balas que no eran para él. Era jueves, y tan sólo el martes alrededor de unas 5 mil personas lo escucharon cantar en Guatemala. Viajaba de copiloto en un auto que iba hacia el aeropuerto La Aurora donde abordaría un avión rumbo a su Argentina natal, cuando hombres armados atacaron su vehículo. Fue atrapado por las balas y murió adentro del automóvil. El presidente guatemalteco Álvaro Colom decretó tres días de luto oficial «Para alguien comprometido con el país». En las primeras indagatorias, el motivo del asesinato no estaba claro y no se descartaba robo o un ataque planeado contra él. Menos de dos horas después de su muerte, cientos de guatemaltecos se reunieron cerca de la escena del crimen con carteles que exigían paz y seguridad pública. Las autoridades de Guatemala prometieron que capturarían a los autores materiales e intelectuales.

Atrapan al autor intelectual del asesinato, Alejandro Jiménez, El Palidejo, un costarricence de 38 años al que se le considera el nexo del cártel del Chapo Guzmán con el narcotráfico colombiano. La captura tuvo lugar en el Pacífico colombiano. Fue una operación rápida y sin disparar un solo tiro. Comandos de la Armada Nacional de Colombia rodearon la lancha en la que se trasladaba y lo obligaron a detener la marcha. Mantuvo la tranquilidad suficiente para decir que era un simple pescador. Su aparente inocencia contrastaba con los tatuajes de sus brazos: el dibujo de una mirada intimidatoria en uno, y una serpiente en el otro. Iba en compañía de dos colombianos más que refrendaron su testimonio.

Los miembros de la Armada, sin embargo, sabían que era un pez gordo que horas antes se les había escapado a las autoridades panameñas, que de inmediato dieron el aviso a sus homólogos colombianos para que estuviesen alerta en aguas colombianas. Al identificarlo por imágenes fotográficas y por sus huellas dactilares, comprobaron que no sólo se trataba de un delincuente poderoso, sino que era el propio culpable de la muerte de Facundo Cabral. Según el director de la Policía de Colombia en ese entonces, el general Óscar Naranjo, habría intentado entrar al país bajo la protección un cartel colombiano que, además, le había prometido protección. La idea posterior era llevarlo al sur del continente en donde se sintiera más tranquilo.

De acuerdo con la fiscalía, el ataque estaba dirigido contra el empresario nicaragüense Henry Fariñas, quien viajaba con Facundo Cabral al Aeropuerto. Durante el debate, por medio de un video presentado por los fiscales, Henry Fariñas detalló que el atentado se originó en la fallida negociación para la venta a Jiménez, El Palidejo, de un centro nocturno en Costa Rica. Hace tres años, El Palidejo fue sentenciado en Guatemala a 50 años de prisión como autor intelectual.

Julio 1 de 1961: Nace Carl Lewis

Nació uno de los mejores saltadores y velocistas de todos los tiempos. «El hijo del Viento»

Hijo de un entrenador de atletismo, fue sin duda el atleta más explosivo de todos los tiempos. Había mucha expectativa de que en Los Ángeles-84 pudiera igualar la hazaña de Jesse Owens en Berlín-36 al ganar 4 medallas de oro. ¡Y lo hizo! Oro en los 100m, 200m, 4x100m y salto de longitud. Lo que nadie imaginaba era que todavía no había escrito la mitad de su currículum olímpico.

Carl Lewis fue durante dos décadas el principal destaque del atletismo mundial. Con diez medallas olímpicas y diez mundiales, los logros de su vida le han valido numerosos premios, incluido el haber sido nombrado Deportista del siglo por el Comité Olímpico Internacional, y Olímpico del siglo por la revista deportiva estadounidense Sports Illustrated. Y en el 2009 fue nombrado embajador de buena voluntad de la FAO donde se destacó siempre en su empeño por la reforestación de los bosques.

Hizo parte de una campaña publicitaria de Pirelli Italia para celebrar sus 25 años. Carl Lewis en tacones.

Julio 1 de 1991: Muere Michael Landon

Tenía apenas 54 años cuando perdió la batalla contra un cáncer que se lo llevó en menos de tres meses. Quienes lo conocían decían que era un gran hombre. Quienes no, lo imaginábamos tan bueno como sus personajes de La familia Ingalls y Camino al Cielo. Y por eso todos lamentamos la muerte de Michael Landon, el actor de la sonrisa tierna que escondía una historia triste.

Era hijo de una madre católica y un padre judío, y durante toda su infancia fue víctima del antisemitismo de sus compañeros, algo que solo al final de su vida dio a conocer. En pocas oportunidades podía darse el lujo de disfrutar de la inocencia como cualquier otro niño. Sin embargo, estas adversidades hicieron que desarrollara un carácter fuerte que le permitió luchar hasta lograr convertirse en uno de los actores y productores más importantes de Hollywood. En el camino, obviamente, tuvo que sortear más de un obstáculo.

Cuentan que Michael Landon en su juventud fue atleta y se especializó en el lanzamiento de jabalina, disciplina gracias a la que ganó una beca en la Universidad de California. Su carrera parecía encaminada hacia el deporte, hasta que una lesión dictaminó el final. Con apenas 18 años tuvo un accidente cuando participaba de una carrera de motos. Una vez recuperado, decidió alejarse de su familia casándose una mujer ocho años mayor con quien adoptó tres hijos. El matrimonio no funcionó. Sin embargo, esas experiencias fueron la responsable de su acercamiento al arte de la interpretación.

Decidido a logar su objetivo sobrevivió haciendo avisos publicitarios y con 20 años cumplidos ya estaba trabajando en pequeños papeles en cine y TV. Hasta que en 1959 le llegó su gran oportunidad. El productor David Dortort se dio cuenta de su potencial para un personaje del oeste y así fue como escribió el personaje de Joe Cartwright pensando en él. Bonanza, la primera serie de TV en ser trasmitida en color, significó mucho para Michael. No solo fue la serie que lo convirtió en una estrella internacional, sino también le sirvió para adquirir gran experiencia como actor y más tarde como guionista y director. A través de las 14 temporadas fue madurando hasta convertirse en Charles Ingalls, el protagonista de una serie que él mismo produjo, escribió, dirigió y actuó. Gracias a ella conquistó al mundo y quedó grabado en el inconsciente colectivo como el norteamericano bueno y noble con quien todos querrían estar: «Quiero que la gente ría y llore, no solo que se sienten y miren televisión. Tal vez estoy pasado de moda, pero creo que los espectadores están hambrientos de programas en los que la gente diga algo significativo», decía sobre sus producciones.

En 1973 la hija de su esposa sufrió un accidente que le llevó dos años de recuperación, a los que les tuvo que sumar otros dos más para superar su adicción a los barbitúricos. Esto lo inspiró a crear Camino al Cielo, en la que encarnaba a un ángel que bajaba a socorrer a las personas que necesitaban recuperar la fe para superar sus problemas. Dicen que la decisión de volcar esta experiencia familiar en una ficción terminó afectando su matrimonio. Y que cada ruptura amorosa lo deprimía. Por eso, decidido a no estar solo, en 1983 se unió a Cindy Clerico, una maquilladora con la que compartió sus últimos años en Los Ángeles hasta que lo sorprendió la enfermedad: «Dos cosas me pueden ocurrir: que gane o que pierda. Y estoy preparado para las dos cosas», le había confesado a la revista Life cuando se la diagnosticaron. Días después de dar esa entrevista murió.

Julio 1 del 2004: Muere Marlon Brando

En Los Ángeles murió la cumbre del cine, el actor que revolucionó el arte dramático en la pantalla grande. El genio que dio vida a Stanley Kowalski y Vito Corleone, el gandísimo Marlon Brando.

Recordado por sus grandes actuaciones, pero además, porque en 1973 ninguneó la estatuilla del Oscar al mejor actor.

Marlon Brando subió sonriente y emocionado a recoger su primer Oscar como mejor actor en 1955 por su portentosa actuación en La ley del silencio. Bette Davis se encargó de entregarle un galardón que no se esperaba y, con los nervios, se olvidó del discurso que tenía preparado. A punto de cumplir 31 años, atractivo y talentoso, ya era todo un intérprete respetado en la meca del cine. Sin embargo, esta situación contrastaría con la que protagonizaría años más tarde en la ceremonia de la 45ª edición, cuando rechazó la estatuilla obtenida al mejor actor por su extraordinaria interpretación de Vito Corleone. Un episodio que provocó uno de los desaires más comentados de la historia de los premios de la Academia de Hollywood. La gala se celebró la noche del 27 de marzo de 1973. Ya había avisado a la organización que no asistiría al evento y que en su representación vendría la activista pro derechos de los indios y aspirante a actriz Sacheen Littlefeather, pero no dijo nada sobre la decisión de rechazar el Oscar en caso de resultar ganador.

La sorpresa vino cuando Roger Moore y Liv Ullman se presentaron en el escenario para entregar el galardón. Liv Ullman leyó el nombre de Brando y en ese momento las cámaras recogieron cómo Littlefeather, vestida con traje tradicional de india norteamericana, se dirigía hacia el escenario. Roger Moore le ofreció amablemente el Oscar pero ella rehusó sostenerlo con un gesto que dejó a todos desconcertados. Tenía delante a ochenta y cinco millones de espectadores viendo la gala por televisión. Acto seguido pronunció el siguiente discurso: «Saludos. Me llamo Sacheen Littlefeather. Soy una Apache y presidenta del Comité Nacional de Imagen Afirmativa de los Nativos Estadounidenses. Esta noche vengo en representación de Marlon Brando y me ha pedido que les diga, en un discurso que ahora no puedo compartir con ustedes por falta de tiempo, que lamentablemente rechaza este generoso galardón. Y eso se debe al maltrato de los indios estadounidenses en la actualidad por la industria cinematográfica, disculpen (se escuchan aplausos y abucheos por parte del público). Pido no haber sido una molestia esta noche. Les agradezco en nombre de Marlon Brando». El productor de la gala ya le había advertido previamente que su discurso no durara más de un minuto o haría que la arrestaran. A la salida de la ceremonia recitó el discurso completo: «Cuando fui nominado por El Padrino me pareció absurdo ir a la ceremonia. Resultaba grotesco festejar a una industria que había difamado y desfigurado sistemáticamente a los indios norteamericanos a lo largo de seis décadas, mientras en aquel momento doscientos indios se hallaban sitiados en Wounded Knee». Y es que, semanas antes de los Oscar, varios indígenas se lo tomaron para quejarse de que el Gobierno de Estados Unidos nunca había cumplido con los tratados que había contraído con las tribus indias y exigir una renegociación. Algunos de los nativos recordaron años más tarde que lo que pasó en la ceremonia de los Oscar les dio la vida y lograron que la prensa acudiera al lugar para informar de lo que realmente estaba pasando. Y todo gracias al apoyo de Marlon Brando. Sin embargo, muchos compañeros de profesión afearon su actitud y le cayó una lluvia de críticas sin igual. Llegó a recibir incluso amenazas de muerte. Por eso decidió huir durante unas semanas del país rumbo a Tahití, donde tenía su pequeño paraíso privado. Allí inició una vida en la que trataba de recrear, según contó después, una especie de felicidad infantil. Desde entonces su trayectoria cinematográfica fue muy irregular, aunque volvió a ser nominado luego por El último tango en París.

La mayoría lo conoció como el mejor actor de cine. Otros maldijeron la hora en la que se habían cruzado con él. Conforme se fue forjando su leyenda, parece que su carácter se fue volviendo más y más difícil. Hombre sin pelos en la lengua, su final fue agridulce. En los últimos años se quedó en la ruina tras pagar la defensa legal de Christian su hijo. De poco le sirvió la ayuda legal ya que Chris murió. Hundido en la tristeza y con esos kilos de más que le restaban movilidad, sufría problemas cardíacos y respiratorios. Sus amigos le rogaban que se cuidara pero él apenas permitía las visitas médicas. Se vio obligado a vivir con una escueta pensión como actor. Además abandonó su mansión en Mulholland Drive por lo único que dicen que podía pagar: una sencilla habitación. Nadie entendía que no vendiera la isla que tenía: Tetiaroa. Pero es que en 1962, cuando ya era una estrella a la que nadie rechistaba, se enamoró del lugar, que tuvo algo de mágico para él, pues fue allí donde se enamoró de Tarita, una bella tahitiana que se convertiría en su tercera esposa. Tetiaroa acabó en sus manos en 1966. Con un paraíso en la mano, cada vez que quería huir de Hollywood se refugiaba en su isla, que años después de su muerte se convirtió en un resort de lujo. Por allí han pasado desde el mismísimo Obama hasta Pippa Middleton y James Matthews, que eligieron el lugar para su luna de miel. En su memoria, el resort ecológico se llama The Brando. Mucho ha cambiado desde que fuera la isla en la que él calmó sus demonios internos. Cuando vivió su propia caída de los dioses, Marlon Brando claudicó ante el mundo, pero hubo dos cosas a las que jamás renunció: su isla, y esa misantropía que lo acabó alejando de los mortales. Al fin y al cabo, así mueren las leyendas.

Julio 1 del 2018: Muere Gillian Lynne

Murió a los 92 años la mujer que puso a bailar a los gatos, una bailarina y coreógrafa británica famosa por haber diseñado las coreografías de varios musicales icónicos, Cats y El fantasma de la ópera entre ellos. Además de su relación con la danza fue actriz, directora de teatro y directora de televisión.

Gillian Lynne nació en 1926, y demostró desde muy pequeña un especial talento para la danza, formando equipo con su amiga de la infancia Beryl Grey desde el colegio, y usando la danza para superar la trágica muerte de su madre en un accidente de auto cuando ella tenía solo 13 años. Ambas llegaron a ser famosas bailarinas de ballet.

El descubrimiento de su talento para la danza constituye una anécdota famosa que ha sido utilizada como ejemplo en numerosas ocasiones por psicólogos y orientadores de todo el mundo.

Cuenta la historia que la pequeña no conseguía alcanzar resultados aceptables en la escuela, que llegó a escribir a sus padres una carta alertando sobre un posible trastorno de aprendizaje. Su madre la llevó a un psicólogo y le explicó su preocupación por su incapacidad para concentrarse y mantenerse quieta. Tras escuchar, el doctor le dijo a Gillian que necesitaba hablar en privado con su madre un momento, y ambos salieron del consultorio no sin antes dejar encendida una radio. El doctor le pidió a la madre que observara lo que la niña hacía mientras estaba sola: estaba bailando una canción que sonaba en la radio. Tras observarla por varios minutos hizo notar cómo era capaz de prestar atención a la música y concentrarse en seguir su ritmo, por lo que recomendó que la inscribiera en una escuela de danza. Según declaró alguna vez: «Fue maravilloso encontrarse con tanta gente que no podía estar quieta y necesitaba moverse para pensar».

Gillian Lynne  tenía su propia compañía productora donde producía y dirigía espectáculos para televisión, cine y teatro. Recibió la Orden del Imperio Británico en 1997 y el premio Queen Elizabeth II Coronation Award, otorgado por la Royal Academy of Dance en el 2001.